THIS IS NOT (an act of love & resistance)

THIS IS NOT (an act of love & resistance) es una pieza musical y coreográfica para nueve artistas, cuatro intérpretes de instrumentos de viento y cinco bailarinas. Juntas, invocan diferentes imaginarios en torno al aire, a través de la danza, la música y el ritmo de la palabra.
¿Cómo generamos energía a través de este elemento y qué significa respirar juntas hoy en día?
Si el aire fuera un presagio de lo que está por venir, ¿qué imaginativas representaciones del futuro?
Aquí, el aire se imagina como contenedor de huellas y resonancias, un elemento de interdependencia entre cuerpos, una red para crear una malla coreográfica.
Las huellas que dejan en el aire los sonidos y los movimientos se convierten en material para componer múltiples ficciones. THIS IS NOT (an act of love & resistance) es una pieza cíclica construida a partir de trayectorias comunes y singulares, de correspondencias, rupturas y polirritmias. En esta pieza, los cuerpos laten, insisten y se repiten como el acto mismo de respirar. el acto mismo de respirar.
El grupo persevera, creando vínculos invisibles a través del aire con el entorno visual, lumínico y sonoro. Este se compone de una música híbrida de sonidos acústicos inspirados en bandas de música y atmósferas electrónicas.
Recomendada para mayores de 14 años.

Gente extraña sobre el adiós del este de Asia

Este proyecto nos habla de inmigrantes y de turistas, y su propósito es trabajar alrededor de conceptos como "patria", "cruzar fronteras" e incluso "idioma".
Yo, Yudai Kamisato, dramaturgo y director, me quedo en distintos lugares durante períodos medianos a largos y creo personajes ficticios (textos de sus perfiles y episodios) basados en mis experiencias y observaciones en esos lugares.
El lugar estará abierto durante todo el día, permitiendo que el público entre y salga libremente y conozca a cada personaje de diversas maneras: video, audio, fotos, texto, etc.

Algunas coreografías

Algunas coreografías presentan un diálogo entre la bailarina Ramona Caia y una preciosa colección de videos de diferentes estilos de danza, editados y reelaborados. La coreografía se desarrolla en un proceso mimético de una multitud de fragmentos unidos en una secuencia rápida, desenterrados de la historia de la danza y el rendimiento según lo muestra el cine e internet, en busca de una materia cinética sensible. La bailarina encarna, transforma, conecta y da forma al cuerpo retratado en esas imágenes, analizando sus dinámicas, su libertad y su inmediatez lingüística desde una perspectiva neutral, desarraigando de la imaginación en la ejecución de una coreografía precisa.
Recomendada para mayores de 12 años.
Con el apoyo del Istituto Italiano di Cultura di Lima y de Crossing The Sea, Teatro delle Marche

Las penas del joven Werther

Un gran meme sobre el negocio de la tristeza.
Ghosting, benching, sadfishing,… Palabras que maquillan una dolorosa realidad: pasan de ti. Y así se debía de sentir Werther, el personaje de Goethe, en su intento de conquistar a Lotte. El autor alemán aprovechó su propio dolor para crear su primer blockbuster. ¿En un mundo donde se nos impone “ser diferentes y auténticos” constantemente, estamos comercializando nuestras lágrimas?
Las penas del joven Werther es un espectáculo de estímulos y contrastes a partir de la obra de Goethe, alrededor de la mercantilización de la tristeza, el fascismo emocional y la identidad como espectáculo. ¿Desde cuándo el dolor se ha convertido en una fuente de negocio?
Mel Salvatierra es actriz y al fin ha conseguido su deseo: hacer un monólogo a partir del Werther de Goethe. Aun así, el proceso de esta obra será todo un dolor de cabeza. A partir de una sola actriz, un montaje frenético y mucho de humor negro, se sirve un espectáculo en forma de neovarietés, rellenado de referentes millennials como la cultura Emo, los memes tristes o Lana del Rey.
Recomendada para mayores de 12 años.
Con el apoyo de Temporada Alta Girona y del Instituto Ramón Llull

A Fuego

Eróstrato, un pastor de la Antigua Grecia, incendió el templo de Artemisa de Éfeso, actual Turquía, considerado una de las siete maravillas del mundo antiguo. Después de ser detenido, interrogado y torturado, acabó confesando la verdadera razón que lo había llevado a cometer aquel acto: pasar a la posteridad.
En este monólogo íntegramente en verso en clave de comedia, veremos cómo la fascinación del autor-intérprete por la figura de Eróstrato se convierte progresivamente en una obsesión, hasta hacerlo cometer un crimen a la altura de su ídolo infame.
En esta autoficción llena de sátira y metateatralidad, el autor intérprete usa al personaje de Eróstrato para reírse de su propia megalomanía, invitándonos a reflexionar sobre el narcisismo imperante de nuestra época y el deseo intrínseco al ser humano de dejar huella; ya sea a través de una expresión artística, un oficio, una revolución o un acto criminal.
Recomendada para mayores de 12 años.
Con el apoyo de Temporada Alta Girona y del Instituto Ramón Llull

En mitad de tanto fuego

Deseo, guerra, deserción, poder, violencia, patria... Alberto Conejero comparte con el público la belleza, el misterio y la oscuridad de un poema épico a través del cual dialoga con la condición humana y enlaza épocas diversas. Combina voces del pasado y del presente. Lo hace a partir del personaje de Patroclo, compañero de armas de Aquiles. Un montaje a partir de la Ilíada de Homero y otros textos, que nos acerca a una obra fundamental de la literatura clásica griega.
Intérprete, dramaturgo y director. Tres grandes talentos presentan un espectáculo que es tanto una canción de guerra como un oratorio por las víctimas; un monólogo sobre lo que hacen en los cuerpos palabras e ideas como “gloria”, “honor” o “patria”; un poema oscuro en el cual se habla de la violencia del campo de batalla, pero también de la violencia del deseo. Porque la Ilíada empieza con las deserciones de dos hombres que se aman y que abandonan el campo de batalla diez años después de que la guerra haya empezado. Seguimos hablando de la guerra de Troya porque todavía sigue ardiendo.
Alberto Conejero es un reconocido autor teatral y poeta que ha ganado todo tipo de galardones, entre los últimos, el Premio Nacional de Literatura Dramática (España) por La geometría del trigo en el año 2019 y el Premio Max 2016 al Mejor Autor Teatral por La piedra oscura. Ha traducido y creado la dramaturgia de muchas piezas de la literatura clásica y también del Siglo de Oro.
Recomendada para mayores de 12 años.
Con el apoyo de Temporada Alta Girona y del Instituto Ramón Llull

Reminiscencia

A través de un uso delicado y seductor de las plataformas digitales, Mauro escarba en su biografía personal y al mismo tiempo en la biografía de la ciudad, en una memoria reciente y al mismo tiempo en cicatrices profundas.
Se trata de una experiencia que pone el foco en lugares mágicos y singulares, relevando una topografía emocional, una relación con la ciudad que para todas y todos siempre es diferente, pero en la que inevitablemente nos encontramos.
En Reminiscencia se instala un sello de investigación propio y único, como una apuesta a un nuevo género, nos encontramos con un ensayo documental biográfico muy sensible, político e íntimo a la vez.
Reminiscencia fue presentada en el Festival Santiago Off (2021) y en el Festival Internacional de Buenos Aires (2021).
Con el apoyo de la Embajada de Chile en Lima
Recomendada para mayores de 12 años.
Con el apoyo de la Embajada de Chile en el Perú

VUE

VUE es un espectáculo solitario que presenta a una protagonista meticulosa, delicada y excesivamente ordenada; una manipuladora de objetos que se encuentra en la encrucijada entre el teatro de objetos, el circo en miniatura y el clown involuntario.
En este espectáculo sin palabras, la tensión aumenta inevitablemente y la historia se descarrila. Nos reímos tanto como nos maravillamos de los microbricolajes. Nos enternecemos tanto como nos preocupamos por este personaje espejo de nuestras propias locuras.
Originalmente titulado "Vu" y creado e interpretado por Étienne Manceau, este espectáculo icónico se reinventa gracias a la transmisión del papel a la actriz Amélie Venisse.
Recomendada para mayores de 8 años.

Burn Baby Burn

Una gasolinera abandonada donde el sol pega fuerte. Noseri vive allí desde hace tiempo. Un día llega Violeta con su moto en búsqueda de combustible.
Jóvenes, con un furioso deseo de vivir y rabia en sus corazones, cada una inventa una vida que confronta con las expectativas de la otra: humor, broma, la misma rebelión silenciosa, y esperanza también —a pesar de todo. Una amistad singular nacerá entre ellas. En este road-movie inmóvil a donde las heroínas se desplazan a través de la imaginación, la llegada de Issa, un repartidor de pizzas, amenazará comprometer sus deseos y sus planes. Todo es fuego, todo está en llamas.
“En Burn Baby Burn se da voz a jóvenes singulares en un contexto extremo: abandono, calor, sequía. La falta de gasolina pasa a un segundo plano ante la falta de amor, esperanza y alimento. En un estado tan precario, ¿cómo seguir soñando? ¿Sería posible escapar? La obra aborda una problemática atemporal, pero de constante permanencia: ¿Qué esperanza hay para los hijos de la violencia?”, precisa la directora de la obra.
Georgia Tavares es brasileña, actriz, directora y diseñadora de luces formada en la ENSATT (Escuela Nacional Superior de las Artes y Técnicas del teatro) Lyon, Francia, y se dedica a la investigación teatral desde 2017. Colaboró con Alejandro Tomaz Rodrigues (Workcenter of Grotowski), LUME Teatro, Cyril Teste, Loraine de Sagazan, entre otros. Desde 2021 con H Théâtre, desarolla un trabajo con enfoque en formas híbridas, dirigió Médéa, La buena alma del Se-thouan (Bertold Brecht), I’m the wind (Jon Fosse) y No Quiero Matar A Mi Padre. En 2024 presentará Room of one's own (creación en el Théâtre des clochards célestes - Lyon).
Recomendada para mayores de 14 años.
Coproducción de la Alianza Francesa de Lima, la Escuela Nacional de las Artes y Técnicas del Teatro (ENSATT-Francia) y Escuela Nacional Superior de Arte Dramático Guillermo Ugarte Chamorro (ENSAD-Perú).
La obra fue editada como parte de la colección Tintas Frescas (Argentina), que reúne obras de algunos de los mejores dramaturgos contemporáneos de Francia seleccionados por el actor y director francés Michel Didym.

Désir mimétique

El título es una referencia libre al concepto de "désir mimétique" teorizado por el antropólogo francés René Girard, quien afirmó que la imitación humana está en la base de muchos fenómenos que caracterizan nuestro comportamiento. El proyecto pretende destacar la percepción de algunos elementos relacionados con la danza contemporánea a partir del concepto de imitación, como elemento fundamental para la incorporación de la danza y la transmisión cultural, verificando cómo cierta información y calidad de movimiento se replican o transfieren de una persona a otra a través de un proceso mimético.

Désir mimétique es una exploración lúdica de la composición coreográfica. En el taller se desarrollan una serie de ejercicios centrados en la escucha del cuerpo y la investigación del movimiento. A través de la relación con una serie de imágenes estáticas que representan de cierta manera el cuerpo, se experimentan varios intentos de relación mimética, determinando en los niños diferentes cualidades de movimiento y representación física.

Una segunda fase se refiere a la transformación de estos elementos observando y copiando en vivo una compilación de videos compuestos por algunos ejemplos de coreografías del último siglo, desde los ballets de Nižinskij, pasando por Merce Cunningham, Yvonne Rainer o los pasos de street dance de hoy. Los movimientos, a veces complicados o abstractos, se transforman en una nueva danza en la que el error se convierte en un elemento de novedad que transforma el proceso de imitación en la creación de algo nuevo e inesperado.

Informes: dac@alianzafrancesa.org.pe

Clase abierta primeros pasos del tango

Se trabajarán conceptos básicos del Tango Salón, donde habrán ejercicios para la conexión del abrazo de Tango. También se explicarán código milongueros básicos para compartir la pista con otros bailadores.
La milonga, arraigada en la cultura argentina, constituye un espacio social vibrante donde la música y la danza convergen en una expresión única. Principalmente marcada por el tango, y otros estilos como la milonga y el vals criollo argentino, trascendiendo el mero acto de bailar para convertirse en un encuentro cultural que promueve la expresión artística y fortalece los lazos comunitarios.
El baile, caracterizado por la ronda de bailadores que se desplazan en sentido antihorario, durante una tanda de temas de la misma orquesta, separadas por cortinas de otros géneros musicales, para dar variedad y dejar un tiempo para cambiar de parejas. La selección musical estará a cargo de la Tango DJ.
Luego de la clase se realizará una milonga
Informes: dac@alianzafrancesa.org.pe